Blog con el que se pretende informar de la programación de Kultur Basauri, fundación municipal dependiente del Ayuntamiento de Basauri. Kultur Basauri cuenta con cinco bibliotecas públicas, talleres de artes plásticas, salas de exposiciones, programación de cine y de espectáculos en vivo, salas de ensayo, actividades infantiles y juveniles,...

viernes, 31 de octubre de 2008

Abesbatz Agerketa


Egun hauetan Basaurin Abesbatzen Agerketa ospatzen ari dela eta, gaur, Urriak 31 eta bihar, Azaroak 1 Social Antzokian arratsaldeko 20.30etatik aurrera Jatorki Abesbatza – Trío Arpas Txertok eta Aritzak taldeak izango ditugu entzungai.
Jatorki Abesbatza sortu zenetik Euskadi osoan ezaguna den Andoni Arregi izan zen zuzendaria.
Lehen saria lortu du hainbat lehiaketetan; Bilboko Abesbatzen Lehiaketa, "Certamen de la Canción Marinera" (San Vicente de la Barquera), "Villa de Avilés" (Asturias) eta Abesbatzen Lehiaketa, EITB-k antolatua. Tolosan, Euskal Abesbatzarik onenaren accesita lortu du.
Inoiz Donostiako, Euskadiko eta Bilboko Orkestra Sinfonikoak eta Josu Loroñoren Akordei Orkestra Sinfonikoak lagunduta abestu izan du.
Txertok arpa hirukotea Taide Quintanak, Irune Retuertok eta Igone Gordobilek osatzen dute.
Maila horretan, Txertok hirukotea da estatu osoan egonkortasuna lortu duen arpa hirukote bakarra. Taldearen xedea da arpa-soinuak berreskuratzea.
Taldeak Bilboko Guggenheim museoan eskaini zuen estreinako kontzertua.
Aritzak laukoteak hogeita hiru urte daramatza kantagintzan. Laukotea Beskoitzekoa (Lapurdi) da eta Iker Robles-Arangiz eta bere hiru seme-alabek (Gorka, Naia eta Koldo) osatzen dute. Familia artista bateko kideak dira (kantari, dantzari, txistulari eta antzezlariak). Hori horrela, Estitxu kantariarekin (Ikerren arreba) hasi zen Naia 13 urterekin abesten.
Kanta herrikoiak zein modernoak abesten dituzte, ahotsa tresna nagusia izanik.
Azken urteotan kantaldi gutxi egin badituzte ere, Euskadiko ahots talderik onenetarikoa da.

Por fín, un musical en el Social Antzokia


¿Te imaginas poder participar en la primera comedia musical de la historia en la que tú decides lo que va a ocurrir? Sí, has entendido bien, en cada actuación es el público el que propone el argumento, lo que convierte a cada representación en un espectáculo único e irrepetible. Dicen que es el nuevo montaje de Yllana & Imprebís , se titula "Musicall", y que el 8 de noviembre van a estar en el Social Antzokia de Basauri, a las 20:30 h., con un precio de risa, 12 €. ¿Te lo vas a perder?

jueves, 30 de octubre de 2008

Pere Portabella, hoy en Cine Social Club


Hoy jueves, a las 20:00 y 22:00 horas, se proyecta "Vampir Cuadecuc", una de las películas más importantes del cine experimental, rodada en 1970 por el cineasta catalán Pere Portabella. Publicamos a continuación el artículo "El murciélago pende de un hilo", un texto de Magdalena Navarro publicado en Contrapicado.

"Parece increíble, pero es cierto. Dos películas tan dispares como El conde Drácula, de Jesús Franco, y Cuadecuc, vampir, de Pere Portabella tienen como base el mismo rodaje. ¿Cómo es posible que la actuación de Christopher Lee pudiera engendrar miradas tan diferentes, discursos tan alejados? Del mismo modo en que una madre puede concebir dos hijos con personalidades antitéticas, el rodaje de El conde Drácula, una producción setentera de la mítica Hammer con Jesús Franco a la batuta, dio pie a que el director catalán Pere Portabella, junto a su fiel Joan Brossa, idearan Cuadecuc, vampir, una película de naturaleza indefinible, que vampirizaría el rodaje de la película de Franco y acabaría desarrollando una personalidad absolutamente autónoma y experimental que devendría un ejercicio de reflexión sobre los mecanismos que han configurado tradicionalmente la identidad del cine de terror y fantástico. No es un making of de la película de Franco, ni muchísimo menos; se podría decir que aspira casi a ser un making of del cine de terror en sí mismo.Rodada en un contrastadísimo blanco y negro que parece desafiar la saturación de color propia de la Hammer, Cuadecuc, vampir no tarda en descolocar al espectador cuando, justo antes de que éste vea la llegada de Jonathan Harker (Fred Williams) al castillo del Conde Drácula (Christopher Lee), la cámara le muestra, en el mismo formato y el mismo silencio sepulcral, el brazo nada fantasmagórico de un asistente que, con una hiladora parecida a las de algodón de azúcar en la mano, está cubriendo de falsas telarañas la puerta del castillo. Y antes de este episodio, ya ha comprobado que la misteriosa bruma del bosque es obra de un técnico con una lata de humo soldada al extremo de un palo. Y ha visto coches. Y trenes que pasan a toda velocidad. Y entonces no puede más que preguntarse qué pretende Portabella al desnudar la tramoya de la película y exponer esos pequeños secretos cuya naturaleza mundana preferiríamos ignorar. ¿Qué gracia tiene desencantar al espectador mostrándole que la niebla es, en realidad, humo de lata? ¿Se trata de un intento de desvirtuar a toda costa la adaptación cinematográfica del relato de Bram Stoker? Pero Portabella no muestra la trampa y el cartón para reírse de él: lo incorpora de manera consciente a su película, como episodios fugaces que intercalan el hilo narrativo –la historia de Drácula- y lo complementan. Por eso está rodada de manera unitaria, sin hacer discriminaciones de formato: tanto las escenas “reales” del relato de Bram Stoker como las de “tramoya” tienen una notable tensión cinematográfica; respiran el mismo aliento bello y terrible del Vampyr de Carl Theodor Dreyer (1930-1931). A pesar de que Portabella muestre la lata de humo, la neblina sigue imponiendo respeto, y el aleteo del murciélago de goma que pende de un hilo junto a la ventana de Lucy Westenra (Soledad Miranda), crea anticipación. Nuestra percepción del terror no depende tanto de lo que vemos sino de cómo se nos presenta; y por ello Cuadecuc, vampir puede disfrutarse tanto como película de terror como reflexión sobre la misma.Pero la experimentación de Portabella no se limita a revelar los trucos de attrezo. A veces, da la impresión de que quiere ir directamente a las raíces del grito; a cómo se construye el estímulo del temor. Y eso también pasa por estudiar el uso del sonido. Cuadecuc, vampir es prácticamente una película “muda”, porque la única voz que se escucha es la de Christopher Lee recitando un fragmento de Drácula en la escena del final. El resto de la película transcurre en un silencio sólo interrumpido por golpes y chirridos. Pero esa cacofonía constituye, en algunos momentos, una banda sonora que cumple su objetivo e inquieta al espectador. Valga como ejemplo la escena en que Jonathan Harker aporrea desesperadamente la puerta de su habitación. Los golpes que oímos no son fruto de la colisión de sus puños contra la madera; son otros golpes, ajenos al personaje, que van in crescendo y generan un malestar que otros cineastas menos eficientes se empecinarían en conseguir a golpe de violín.Cuadecuc, vampir es, al final, una prueba de la elasticidad del cine, y en particular, del llamado cine de género, que admite hibridaciones con tanta poesía como ésta sin perder su idiosincrasia".

miércoles, 29 de octubre de 2008

The Women


1939 urteko zintan oinarrituriko remake-a, goi mailako gizarteko emakume talde baten istorioa kontatzen du, ileapaindegi eta moda arteko txutxu-mutxuak tarteko direla. Baina hainbeste intimitate izan arren, zoriontsuena eta inbidia gehien dioten lagunaren gizona prostituta batekin oheratzen ari dela konturatzen dira.
Honako hau da "The Women" filmaren laburpena. Diane English-ek zuzendua eta Meg Ryan, Eva Mendes, Annette Bening aktoresak besteak besteak protagonistatzat dituen filma izango dugu ikusgai Social Antzokian Azaroak 2tik 5era; igandean arratsaldeko 17.30 eta 20.00etan eta azaroak 3, 4 eta 5ean 20.00tan. Aukera ezinhobea beraz barre batzuk egiteko.

Inauguración de Planeta Basauri

El próximo lunes, 3 de noviembre, se inaugura una nueva edición de Planeta Basauri, este año con la cultura celta como protagonista. "Los Celtas en Europa" es el título de una exposición que se completará con charlas, proyecciones, talleres, visitas guiadas, etc. Desde aquí os invitamos a asistir al acto de inauguración que será el mismo lunes, 3 de noviembre, a las 19:30 h., en la Casa Torre de Ariz.
Después de la presentación actuará el grupo de música celta TURLACH, compuesto por Juanjo Otxandorena: bouzouki, Arkaitz Miner: violín, mandolina, Alan Griffin: flautas, gaita, voz. En 2002 tres amigos, amantes de la música irlandesa, forman un grupo para interpretar un repertorio simple pero complicado - melodías antiguas poco conocidas, o conocidas pero con nuevas aportaciones, y música nueva inspirada en la tradición irlandesa, además de algún tema cantado, todo al más auténtico estilo irlandés. Siendo chicos semi-formales, primero se ponen a ensayar en un ambiente propicio, dejando para luego la elección de un nombre. Pronto, desorientados por la cerveza y el té, deciden como nombre del grupo el del gran arpista irlandés, Turlach Ó Cearrbhalláin, aunque ninguno de los tres toca este instrumento. Después, se consuelan al recordar que ‘turlach’ también es el vocablo gaélico para un tipo de lago extraño irlandés que aparece y desaparece. Hasta piensan que el nombre es apto. Ensayan con ganas y salen actuaciones. Cuatro años más tarde, para sorpresa de muchos, no se han enfadado (todavía), ni aburrido del proyecto, y siguen ensayando temas nuevos.
El grupo Turlach gira en torno al entusiasmo por la música irlandesa. Los integrantes, al tener otros proyectos musicales (Arkaitz – Tapia eta Leturia, Ruper Ordorika, Aintzina; Juanjo – Alboka, Aintzina; Alan – Alboka, Aintzina), no buscan en Turlach más aliciente que tocar buena música en buena compañía. Por lo tanto, su principal ámbito son los bares con ambiente propicio para la música irlandesa, entre los cuales cabe destacar el Kixkal de Hernani, que se ha convertido a lo largo de los años en su hogar.

martes, 28 de octubre de 2008

"Plutón Verbenero" cambia de horario

La serie "Plutón Verbenero" cambia de horario y pasa a emitirse los miércoles, a las 22:00 h., en la 2 de Televisión Española. Por lo tanto, a partir de mañana, 29 de octubre, podremos disfrutar de las peripecias de los personajes creados por Alex de la Iglesia en un horario para todos los públicos.

The Women, en el Social Antzokia

El problema principal de contar con sólo una sala de cine es que dependemos demasiado de la trayectoria comercial de las películas. Al programar con un mes de antelación nos podemos encontrar con que no haya copia libre de alguna de las películas programadas. Eso ha pasado con el film previsto para este fin de semana, del 2 al 5 de noviembre, "El niño con el pijama de rayas". No hay copia y hemos tenido que cambiar de título. Por este motivo, la película que el Social Antzokia acogerá este fin de semana es "The Women", protagonizada por Meg Ryan, Eva Mendes y Anette Bening.

lunes, 27 de octubre de 2008

Pere Portabella, en Cine Social Club


Este jueves, 30 de octubre, en sesiones de 20:00 y 22:00 h., el ciclo "otras miradas" de Cine Social Club acoge la proyección de la película "Vampyr Cuadecuc", dirigida por el cineasta catalán en 1972. Pere Portabella filma en 16mm y con negativo de sonido, el rodaje de El Conde Drácula, interpretada por Christopher Lee y dirigida por Jesús Franco. Portabella, además, elimina totalmente el color y sustituye la banda sonora por un paisaje de colisiones imagen-sonido a cargo de Carles Santos. Un artículo de Andrea Aguilar aparecido en El País nos describe su estreno en el MOMA de Nueva York 26 años después.

"En la calle guardias y vallas anunciaban la llegada de algunos de los políticos reunidos en la Asamblea General de la ONU al MOMA de Nueva York. Dentro, Pere Portabella (Barcelona, 1929), bronceado, vestido de blanco y con blazer azul, saldaba una cuenta. El cineasta catalán presentaba Vampyr Cuadecuc, la misma película que se proyectó en este museo en enero de 1972. Entonces las autoridades franquistas le retiraron el pasaporte y Portabella se perdió forzosamente el primer desembarco de su obra en un centro de arte contemporáneo. Su mujer leyó un escrito que él había preparado y el público firmó una protesta que fue remitida al embajador español en Washington. Hoy, sus películas han visitado el Macba, el Pompidou o la Documenta de Kassel y esta reposición en Nueva York es sólo el comienzo del amplio ciclo retrospectivo que hasta el 6 de octubre le dedica este museo. En él se incluye el estreno de su última producción, Die stille vor Bach (El silencio antes de Bach), presentada en la última Mostra de Venecia y un ciclo de conferencias que hoy se celebra en el Centro Rey Juan Carlos I de la Universidad de Nueva York.
"En mis películas no hay nada que contar; o las ves o no te enteras"
Portabella es el segundo cineasta español a quien el MOMA dedica una retrospectiva. El otro fue Luis Buñuel. Pero éste no es ni mucho menos el primer encuentro que mantiene con el director aragonés -"un cazurro muy divertido"-. Fue en un ascensor de Cannes -en el festival se presentaba Los golfos, dirigida por Carlos Saura y producida por Portabella-, donde empezó una amistad que lograría traer de vuelta a España a Buñuel para rodar, y alejar al catalán de la producción. "Produje Viridiana, que ganó la Palma de Oro y me costó la expulsión como productor de los organismos oficiales de la época", recuerda.
Alejado de la narración convencional, Portabella lleva desde los años sesenta empeñado en explorar otro lenguaje cinematográfico. Desde el documento político hasta la revisión del cine de género, la forma no parece haber frenado a este director, estrecho colaborador de Joan Brossa, Joan Miró y Carles Santos. "El guión de una película normalmente se puede contar en 30 segundos, pero en las mías no hay nada que contar; o las ves o no te enteras". Siempre estuvo convencido de lo que hacía, algo que, retrospectivamente, piensa que le dio fuerza. "No me erijo como modelo, pero sí como referente de una actitud que he tomado. Puesto a recomendar, a muchos de mis colegas les diría que dejen de pensar en modelos, que se alejen de ellos"".

viernes, 24 de octubre de 2008

Hay vida fuera de Basauri


Fuera de Basauri también hay vida. Para que negarlo. Koldo Etxebarria expone en la sala Portalea de Eibar hasta el domingo 26 de octubre. Por su parte, Eugenio Lasarte, otro artista de Basauri, expone en el Centro Cívico de Begoña, con el inconveniente de que esta casa de cultura no abre ni sábado ni domingo. En el Teatro Barakaldo, Glu Glu Producciones presenta este sábado y domingo su nuevo montaje, "Maldito Parné". El sábado, 25 de octubre, el Serantes Kultur Aretoa acoge la comedia de enredo "El apagón", programada dentro del 29 Festival Internacional de Teatro de Santurtzi. En el Teatro Arriaga, durante todo el fin de semana, el clown Slava Polunin, uno de los fundadores del Cirque du Soleil, presenta el espectáculo para toda la familia "Slava´s Snowshow". Además, el Festival Bilboloop, el BAD, la sala Santana, los cines Renoir Deusto,... y no olvidéis que el domingo, a las 21:30 h., en La Sexta, un nuevo capítulo de "Qué vida más triste", la serie de Rubén Ontiveros que transcurre en Basauri.

Recomendaciones para este fin de semana


Por fin, ya es viernes. Tenemos por delante tres días para disfrutar. Quiero haceros algunas recomendaciones. En el Social Antzokia , sin ir más lejos, tienes hoy, 24 de diciembre, la actuación del coro de voces blancas adultas Lagun Zaharrak Abots Zuriak de Santzurtzi. Este concierto se enmarca dentro del 35 Alarde Basauri para Masas Corales. Para el domingo por la mañana, el teatro de Basauri ha programado el espectáculo infantil "Sesamo ireki zaitez!", con la compañía Caleidoscopio Teatro. El sábado, domingo, martes y miércoles el Social acoge la proyección de la película "Un verano en la Provenza". Como puedes ver, una oferta variada y sin salir de Basauri.

jueves, 23 de octubre de 2008

Eugenio Lasarte expone en Bilbao

El pasado lunes, el pintor Eugenio Lasarte inauguró una nueva exposición de dibujos, muestra que con el título "Canta Napoli" recoge diversas obras con la ciudad italiana como referencia. La exposición, que se enmarca dentro de un ciclo de actividades recogidas bajo la denominación de "El club del viajero", permanecerá abierta hasta el 31 de octubre, de lunes a viernes en horario de 09:00 a 21:00 h., en el Centro Cívico de Begoña (calle Circo Amateur Club Deportivo, 2), ubicado junto al polideportivo de Txurdinaga.
Eugenio Lasarte ha realizado diversas exposiciones, la última en Madrid, en La Buga del Lobo. Además, en la actualidad es uno de los guionistas de la serie de televisión "Plutón Verbenero", que se emite todos los miércoles a las 23:30 h. en la 2 de televisión española.

miércoles, 22 de octubre de 2008

35 Alarde Basauri para Masas Corales


El pasado domingo, 19 de octubre, una actuación del coro Kup Taldea de Donostia significó el inicio del 35 Alarde Basauri para Masas Corales. Este concierto tuvo lugar en la Iglesia de San Pedro, una de las sedes de la muestra junto al Social Antzokia. El próximo viernes, el coro Lagun Zaharrak Abots Zuriak de Santurtzi actuará en el teatro de Basauri, a las 20:30 h. El precio de la entrada en el Social es de 4 €, con entrada libre en los conciertos que se celebren en la Iglesia de San Pedro. Este coro de voces blancas adultas consiguió en 1998 la mención especial del jurado en el "Concurso de la Antigua Abesbatza" de Zumárraga. Un año después obtiene el segundo premio en el "Primer Certamen de Coros" de Arrigorriaga. Lagun Zaharrak Abots Zuriak tine el honor de haber ofrecido un concierto junto al prestigioso Coro Davidson Singers de Nueva York. Además, colaboran habitualmente en los conciertos que organiza la Federación de Coros de Bizkaia (BAE).
Próximos conciertos: Coro Soinu Bidea (25 octubre, 20:00 h., Iglesia de San Pedro) - Jatorki Abesbatza & Trio Arpas Txertok (31 octubre, 20:30 h., Social Antzokia), Aritzak (1 noviembre, 20:30 h., Social Antzokia), Orereta Abesbatza (7 noviembre, 20:30 h., Social Antzokia), Kantarte Gazteder (8 noviembre, 20:00 h., Iglesia de San Pedro) y Basauri Koral Elkartea (15 noviembre, 20:00 h., Iglesia de San Pedro).

martes, 21 de octubre de 2008

Visitas guiadas en Planeta Basauri


Ya está casi ultimada la programación de este año de Planeta Basauri, que tendrá como sede la Casa Torre de Ariz, lugar que acogerá, además de la exposición, charlas, talleres y proyecciones. La cultura elegida en esta edición es la celta y la muestra lleva por título "Los Celtas en Europa". Podemos adelantar que están programadas visitas guiadas para escolares y público en general. Para escolares, el horario será de 09:30 a 12:30 h. y para el resto, de 18:00 a 20:00 h. Para más información: en Basauri 500, en el teléfono 944 666 360 y (basauri500@basauri.net).

"Satanás (El perfil de un asesino), en Cine Social Club



El próximo jueves, 23 de octubre, el Social Antzokia acoge una nueva proyección del ciclo "Otras miradas". En esta ocasión, la película programada en Cine Social Club es la producción colombiana "Satanás (El perfil de un asesino), dirigida en 2007 por Andrés Baiz. A continuación publicamos una entrevista con Andrés Baíz realizada este año con motivo de la presentación de "Satanás" en el XXII Festival de Cine de Bogotá.

"La cinta está basada en una tragedia que sacudió a la ciudad bogotana en 1986. Ha recorrido numerosos festivales internacionales. El cineasta: "Exploré la naturaleza humana y me enfoqué, digamos, en la maldad".
Minutos después de haberse subido al estrado para recibir altos honores en el acto de clausura del 14º Festival de Cine de Bogotá, el director Andrés Baiz concedió el momento para hablar de su primera y exitosa película, Satanás (2007).
Adaptada de la novela homónima de Mario Mendoza, está basada en la tragedia que sacudió a los neogranadinos, en 1986, cuando Campos Elías Delgado, ex veterano de Vietnam, asesinó a su madre, su alumna de inglés, una vecina y una veintena de clientes en un restaurante, antes de suicidarse.
En 101 minutos el filme, que cuenta con la sólida actuación del mexicano Damián Alcázar, entrelaza la carencia afectiva y social del personaje con el conflicto vocacional de un cura y el erróneo camino de una mujer, al convertirse en anzuelo para una pandilla de asaltantes.
¿Qué se siente consagrarse con su ópera prima?
—Es extraño, porque yo estudié en la Universidad de Nueva York y estuve ocho años viviendo en los EE UU, en la llamada "tierra de oportunidades", donde había muchos contactos pero no pasaba nada. Fue entonces cuando regresé a Colombia y sucedió todo. Estoy muy feliz, porque es aquí donde quiero hacer cine.
—¿Por qué el cine colombiano no llega tanto en otros países?
—Eso tiene que ver mucho con los distribuidores y exhibidores de cada país. Yo pienso de que deberían adquirir más cinematografía latinoamericana, por muchas razones. Podemos identificarnos con ella, hablamos un mismo idioma y todos tenemos una cultura muy parecida.
—¿Qué propone para diversificar la cartelera?
— Sería chévere poder ver las películas venezolanas, bolivianas, ecuatorianas, brasileñas... Ojalá haya más convenios entre las direcciones de cine, que los festivales inviten a los diferentes países como huésped de honor.
—¿Cómo fue abordar el concepto de este filme?
—"Satanás" es una película muy difícil y muy fuerte, donde no hicimos concesiones. Rodrigo Guerrero (el productor) y yo adquirimos los derechos de la novela. Toda la aventura nos tomó tres años. Fue maravilloso lanzarla al cine por primera vez.
—¿Hasta dónde ha llegado o piensa llegar con su obra?
—"Satanás" ha estado en los festivales de Miami, Mónaco y Montecarlo (donde ganó Mejor película y Mejor actor). Acaba de estar en San Sebastián, hemos llegado a Río de Janeiro, ya se encuentra en Chicago y va hacia el mercado de Los Ángeles. Además, estamos pre seleccionados para competir al Oscar, como Mejor película extranjera.
—¿Qué planes tiene para su próximo proyecto?
—Estoy escribiendo algo original y, a la vez, tratando de recibir el guión de un tercero. Ya veremos cuál revienta primero.
—¿Qué directores admira?
—Son muchos: Luis Buñuel, Robert Bresson, John Cassevettes, los hermanos Coen, Bruno Dumont, Martin Scorsese...
—Obvio que Scorsese.
—Sí, Eliseo posee una influencia muy fuerte de "Taxi driver". Por eso el parlamento "Voy a limpiar la basura de la calle". Aunque es preciso mencionar que mi película está basada en un hecho real hace 20 años.
—¿Otros temas por indagar?
—Ya exploré la naturaleza humana y me enfoqué, digamos, en la maldad. "Satanás" es transgresiva, hay que verla con cierto grado de masoquismo. Pero no pienso seguir por esa línea, creo que ya tuve suficiente con la oscuridad".

lunes, 20 de octubre de 2008

Basauri se va a poner de moda...

La Sexta estrenó ayer «¡Qué vida más triste!», un formato proveniente de internet que ahora salta a la televisión. El innovador videoblog recoge los problemas de los jóvenes a través de su protagonista, Borja, y la relación que mantiene con su entorno familiar y afectivo. Lo llamativo de esta serie es que transcurre en Basauri y los protagonistas son dos jóvenes de nuestro municipio. Además, el responsable de esta nueva serie es el basauritarra Rubén Ontiveros, un cineasta curtido en el cortometraje y ligado en el pasado a la Kultur Etxea de Basauri.
La novia, los amigos, las videoconsolas, las noches de fiesta, el trabajo, los problemas de pareja, los celos y el sexo son los temas principales de este formato, vistos desde la perspectiva del protagonista, quien interactúa con la gente y expresa su opinión ante la cámara, en este videoblog para la televisión.
«¡Qué vida más triste!» es la bitácora personal, en tono de comedia, de Borja, un joven de menos de 30 años, espontáneo, divertido, algo cínico y conformista que aún vive con sus padres por voluntad propia. El resto de los protagonistas son las personas que comparten la vida de Borja: Nuria, su novia; Joseba, su mejor amigo; Izaskun, la mujer de Joseba; Agustín, el padre de Borja; Xabi, un antiguo amigo; el Paleta, un compañero de la obra o incluso el propio Bruce Willis, su alter ego permanente en el programa, vestido como en «Armaggedon», que se le aparece.
«Quevidamástriste.com», creado en 2005 por Rubén Ontiveros, fue un fenómeno en la web tras transformar el diario personal en la red, el blog, por uno en vídeo, el videoblog, una propuesta única en en el Estado que recibió más de dos millones de visitas.
La serie se emite los domingos a las 21:30 h.

viernes, 17 de octubre de 2008

"La corte de Faraón", en el Social Antzokia


Mañana sábado, 18 de octubre, el Social Antzokia acoge la representación de "La corte de Faraón", una de las zarzuelas más populares. Un divertido espectáculo de Uranzu Producciones, encargados de llevar una vez más a escena esta obra original de Guillermo Perrín y Miguel de los Palacios, con música de Vincent Lleó. Esta chispeante zarzuela fue estrenada en Madrid en 1910, alcanzando un éxito rotundo, amparada en su fama de obra cómica y sorprendente. El argumento, basado en la historia bíblica de José en Egipto, gira alrededor de la insatisfacción que a la princesa Lota le causa la impotencia de Putifar, su esposo, por lo que asedia infructuosamente al Casto José, su esclavo. La representación comienza a las 20:00 h. y el precio de la entrada oscila entre 20 y 15 €. A la hora de escribir este texto quedaba todavía alguna entrada a la venta.

jueves, 16 de octubre de 2008

La aventura japonesa de Isabel Coixet


Isabel Coixet empieza los próximos días a rodar su nueva película, 'Map of the sounds of Tokyo'. Publicamos a continuación un artículo al respecto escrito por la cineasta catalana en Club Cultura.
"Las películas, como las melodías o los poemas nacen de extraños encuentros, de asociaciones a menudo incongruentes pero siempre mágicas. En el caso de "MAP......." , la historia se me apareció ( no quiero sonar como una iluminada, pero no se me ocurre mejor forma de expresarlo) en el mercado de pescado de Tsukiji en Tokyo. Imagino que el olor de atún fresco y algas y ostras , los gritos de los subasteros, el fragor de los miles de cajas siendo arrastradas y la peculiar luz de los fluorescentes a las cuatro de la mañana, tuvieron mucho que ver. O quizás tuvo que ver, el desayuno de sopa de miso y makis de anguila. O el rostro pétreo de una chica, que manejaba con destreza una manguera y que se negó enérgicamente, con una decisión poco habitual en Japón, a ser fotografiada por mí.
Pero, recuerdo que , en el metro, lleno a rebosar, volviendo soñolienta al hotel, despues de haberme levantado a las tres de la mañana para ver la subasta de pescado, no dejaba de pensar en esa chica y en el porqué de su negativa. Pensaba en sus botas de agua chapoteando entre el hielo deshecho y la sangre de los atunes recien cortados. Y al cerrar los ojos y oír la voz casi infantil de la locutora que anunciaba la próxima parada en la estación de Shinjuku, supe que iba a contar la historia de una mujer con una doble vida: una mujer dura, solitaria, misteriosa, herida. Que trabaja en el Mercado del pescado, limpiando y cargando cajas y recibe esporádicamente encargos como asesina a sueldo. Y la de un hombre , obsesionado por los sonidos, que ama en silencio a esa mujer , aún sabiendo que todo lo que va a obtener de ella es el sonido de su respiración, el ruido de sus tacones en un callejón solitario y sus conversaciones y encuentros con un hombre de origen español, por el que ella siente una atracción que pone en cuestión la vida solitaria que ha llevado hasta entonces.
A esta idea inicial ( "iluminación" o como quieran llamarla) se unió la trama de un hombre que no puede resistir la pérdida de su hija y que busca ciegamente una venganza que se revelará trágica. Así nació "Mapa de los sonidos de Tokyo". Tambien de mi fascinación por la cultura japonesa contemporánea, por la atmósfera de las novelas de Haruki Murakami y Banana Yoshimoto, por mi confesa adicción al wasabi y por la vibración casi material que emite la ciudad de Tokyo durante la noche: una mezcla de expectación, misterio, sombra y dulzura que deja una huella imborrable".

Las mujeres de Picasso, en Torre de Ariz


Hasta el próximo 30 de octubre permanecerá en la Casa Torre de Ariz de Basauri (Frantzisko Kortabarria, s/n. Teléfono 944 666 426) la exposición "Las mujeres de Picasso", una muestra de mosaicos realizados por el artista Javier de la Torre (Basauri, 1960). A lo largo de su intensa trayectoria artística, Picasso se ocupó en repetidas ocasiones de la figura femenina, recurriendo tanto a modelos anónimas como a mujeres con diversa implicación en su vida personal. Ahora la paciente labor de Javier de la Torre ha reproducido, con la técnica del mosaico y a buen tamaño, una selección de esas obras del pintor malagueño. Una exposición de indudable interés, tanto por su vistosidad como por lo inhabitual de la técnica aplicada, al tiempo que contribuye a divulgar el acervo picassiano también entre un público no habituado a concurrir a museos.
Llama la atención que la mayoría de los cuadros de Picasso tienen protagonista femenina. La relación que vivió con las mujeres es, pues, un elemento decisivo en su arte. Sus relaciones amorosas, numerosas, simultáneas, más o menos prolongadas, se plasman en los cuadros de las diferentes épocas del pintor, ya que constituyeron su gran fuente de inspiración artística. Así, fueron pasando por su vida Fernande Olivier, Eva Gouel, la bailarina Olga Kokhlova, que fue su primera esposa; Marie-Thérèse Walter, la fotógrafa yugoslava Dora Maar, que documentó con su cámara la creación del Guernica; Francoise Gilot y Jacqueline Rocque, con la que también contrajo matrimonio.
Esta exposición se podrá ver este año también en Kultur Leioa (del 4 al 30 de noviembre) y en la Kultur Etxea de Gernika-Lumo (del 3 al 31 de diciembre).

miércoles, 15 de octubre de 2008

Llega Zohan


Mañana jueves, 16 de octubre, gran programa doble en el Social Antzokia. A partir de las 20:00 h. proyección de "Zohan. Licencia para peinar" y "Paso de ti", las dos mejores comedias llegadas de USA este año, con permiso de la extraordinaria "Tropic Thunder", la obra maestra de Ben Stiller que podremos ver en el maratón de noviembre. Para ir abriendo boca publicamos una crítica de Fausto Fernández en Fotogramas sobre Zohan. A disfrutar por sólo 3,50 €.

"Si el estilismo combativo del cabello púbico puede ser la clave de la paz mundial, puede que el anzuelo (ahora in) de Judd Apatow sea la clave para que todos esos que antes arrugaban la nariz ante Adam Sandler (o Rob Schneider o Dennis Dugan) se dejen lavar y marcar por una disparatada comedia genuinamente sandleriana: disfraces y caracterizaciones imposibles, terroristas de tebeo, peleas y persecuciones de Humor Amarillo y una mascletá de situaciones y diálogos repletos de dobles sentidos sexuales. Todo esto (que a muchos ya nos parece de cinco estrellas), y, además, lo que hace más entrañable a este cómico de descuidado, pasota y proleta aire James Stewart: una ingenuidad desarmante, un optimismo labrado a golpe de malos modos, gritos e insultos varios, y una capacidad para que sus cómicas faenas de difícil humor facilón resulten condenadamente divertidas. Una mano diestra para teñir nuestra desprejuiciada pelambrera cinéfila a base de colores tan chillones y, en apariencia, tan incompatibles como los de Shampoo, No desearás al vecino del quinto y Munich. Y hacer más por el outing judío (a base de chistes dignos de Arévalo) que el cine de Eytan Fox".

martes, 14 de octubre de 2008

Umeentzako Zinema Maratoia


Bihar, urriak 15, arratsaldeko 17.30etatik aurrera, azken urte hauetan ohikoa den bezala, txikienek zinemarekin hitzordua dute Social Antzokian. Lehendabizi euskeraz izango den animazio filma emango da, "Ahatetxo itsusia eta ni", Ahatetxo Itsusia ipuinaren bertsio pertsonal bat. Ondoren, “La isla de Nim” Jodie Foster protagonistatzat duen abentura filma ikusgai egongo da. Sarreren prezioa, 3,50€koa da.«Ahatetxo itsusia eta ni» pelikuleko protagonista txikiak itsura babesgabe baina era berean maitekor bat du, ezberdina izateak ez duela zertan ikusirik errefusarekin erakutsi nahiean. Arrautza-hoskolatik atera ostean, lehenik ikusten duen gauza arratoi bat da eta senak ama deitzea egingo dio. Benetan Ratso izena du, eta hiriko leku ezkutu eta zikinetan bizi den espezimen bat da. Iragarpen guztien aurka, Ratsoren alde arduraduna agertzen da eta aitatasuna onartzen du, bere txikia aurrera ateraz eta estoldetako arratoi arriskutsuetaz alde eginez. Pertsonai guzti hauek hasiera batean paperean diseinatuak izan ziren geroago 3D animazioetara digitalki pasatzeko.

Urtain

La semana pasada se estrenó en el Teatro Valle-Inclán de Madrid una de las obras más esperadas de la temporada, "Urtain", un espectáculo de la compañía Animalario. El sábado, el crítico Marcos Ordoñez escribió en el suplemento cultural Babelia, que publica el periódico El País, una crítica de este nuevo montaje de Alberto San Juan y compañía. La publicamos a continuación.

"El 21 de julio de 1992, cuatro días antes de la inauguración de los Juegos Olímpicos de Barcelona, José Manuel Ibar salta desde un décimo piso y muere a los 49 años. Así comienza Urtain, lo último de Animalario, en el Valle-Inclán: por el último round, con el boxeador tendido sobre la lona definitiva. Y luego remonta el río, en cuenta atrás, año tras año, hasta hacer encajar el cadáver en la sombra de su padre muerto. Un aita titánico, un coloso que, para demostrar que sigue siendo más fuerte que su hijo, palma tras una apuesta salvaje, en un bar de Cestona, "al no soportar el peso de dieciséis personas sobre su cuerpo". Si eso fue cierto, uno se queda con ganas de que le cuenten la historia del viejo Ibar: menudo personaje. Porque la crónica del retoño, escrita por Juan Cavestany, promete más de lo que da. "¿Qué he hecho yo para que todo lo que hago sea tan sucio?", repite Urtain una y otra vez. Buena pregunta. ¿Se vende a la Mafia? ¿Mata a alguien dentro o fuera del ring? Por lo que alcancé a entender, nuestro hombre se mete a boxeador para ganar pasta, como un elevado tanto por ciento de púgiles. ¿Se topa en su camino con una jauría de promotores sin escrúpulos? No parece: su mánager no es mal tipo, y el único que le levanta la bolsa es el inglés que organizó su combate con Henry Cooper, en Wembley. ¿Acusaciones de tongo? Las hay, pero no parecen probadas. 68 peleas, 53 victorias, y 41 de ellas por KO. Y dos veces campeón de Europa de los pesados: muchos tongos serían esos. ¿Qué más pasa con Urtain? Que bebe demasiado, folla demasiado, y se hunde tan rápido como subió. Me temo, con todo respeto, que el suicidio no basta para construir un antihéroe trágico, porque su conflicto básico, tal como nos lo venden, no es interior sino externo y, en mi opinión, hinchadísimo: Urtain como víctima de la manipulación franquista. ¿Por hacerse una foto con Franco, episodio que a juzgar por lo que se repite en el texto equivaldría poco menos que a una condenación fáustica? Si tuviéramos que poner en la picota a todos los que se retrataron en El Pardo no daríamos abasto. ¿Urtain "utilizado" como emblema patriótico? Tampoco me cuela, lo siento. Hay una escena en la que su mánager y Vicente Gil, médico de Franco y presidente de la Federación Española de Boxeo, urden el plan de lanzamiento del boxeador, pero su retórica no es muy distinta de la que arropó a la selección de fútbol la pasada primavera. Donde más acertado está Cavestany es a la hora de atrapar la voz del protagonista, con verosimilitud, con muy buen oído para los ritmos: un habla entrecortada, a ratos delirante, con gran fuerza dramática.
La veintena de personajes que le rodean en su ascenso y caída rara vez van más allá de la pincelada rápida o de la caricatura, como el promotor Lizarazu, que se expresa con los dejes garrulos de Martínez Soria, o el mismo Vicente Gil, que, por razones igualmente enigmáticas, profiere un pintoresco soniquete cada vez que ha de llamar a una puerta. Tienen más entidad humana los perfiles del mánager (curiosamente sin nombre), del periodista Manuel Alcántara, del amigo y colega Pedro Carrasco, o de Cecilia y Marisa, las dos mujeres del Morrosko. Las grandes bazas del espectáculo son la superlativa producción, la imaginativa puesta en escena de Andrés Lima y el hiperconjuntado trabajo de la compañía, encabezada por un descomunal Roberto Álamo. Urtain se presenta en la sala Francisco Nieva, que por sus dimensiones le sienta como un guante (boxístico). Estamos a medio metro del ring (cortesía de Beatriz San Juan) donde transcurre toda la obra, y la recreación de la atmósfera del cuadrilátero es impresionante, desde el juego de luces (Valentín Álvarez y Pedro Yagüe deben de haber visto veinte veces Toro salvaje: focos laterales que horadan un magma de vapor humeante y parecen crear una realidad alucinatoria en blanco y negro, como si todo sucediera en la mente del protagonista segundos antes de estamparse contra el suelo) hasta la no menos formidable envoltura sonora firmada por Nick Powell (rugidos del público, gongs fantasmales, ecos de lejanísimos speakers). O, detalle sencillo pero astuto, esas casi imperceptibles rociadas de agua que caen sobre las gradas y provocan la vivísima sensación de salpicaduras de sudor (o sangre) de los combates.

Las grandes bazas del espectáculo son la superlativa producción, la imaginativa puesta en escena y el hiperconjuntado trabajo de la compañía. Roberto Álamo gana por triple KO, ya que encarna, en un verdadero tour de force, al Urtain alcoholizado y cuesta abajo, al púgil arrasador y al padre obsesionado por superar a su hijo: habría que remontarse al Kid Peña interpretado por Santiago Ramos en Esta noche, gran velada (1983), de Fermín Cabal, para encontrar un impacto equiparable. Perfecto de emoción, de presencia física y de matices, mandando en todas y cada una de sus escenas durante las dos horas largas de espectáculo, difícil será que Álamo (que entrenó durante varios meses con Jero García, campeón de los welter) no se lleve los más importantes premios de la temporada. También me gustaría destacar los trabajos de María Morales, para mí una revelación, rebosante de verdad en el rol de Marisa, la segunda compañera de Urtain, de Raúl Arévalo (como Pedro Carrasco), Luis Bermejo (cuando encarna a Alcántara) y Alfonso Lara, el mánager, papel que comparte, al parecer en días alternos, con Alberto San Juan. Lástima, como decía antes, que sus respectivos personajes no estén más desarrollados en el texto. Tras el tropiezo de Argelino, Andrés Lima recupera la contundente pegada y el juego de piernas de Hamelin y Marat-Sade. Ha comprimido y ajustado la pieza original, e imprime un poderoso ritmo a los rounds, con dos excepciones: la reunión terminal en el bar de Urtain y la escena de su consagración montada sobre el ritornello de Mi gran noche, de Raphael, que en mi opinión se alargan innecesariamente. Resumiendo: flojo texto, soberbio espectáculo. (También les recomiendo el estupendo catch a cuatro del Lara: En la cama, de Julio Rojas, y, en sesiones golfas de fin de semana, el Trío en mi bemol de Rohmer. En breve se lo cuento)".

jueves, 9 de octubre de 2008

La Princesa de Nebraska

La programación de Cine Social Club continúa hoy jueves, en sesiones de 20:00 y 22:00 h., con el ciclo "Otras miradas" con la proyección de "La Princesa de Nebraska" , de Wayne Wang. La película refleja 24 horas en la vida de Sasha (Li Ling), una joven china embarazada de cuatro meses tras una aventura fugaz en Pekín. Interrumpiendo sus estudios de primer curso en la universidad de Omaha, (Nebraska), viaja a San Francisco para abortar y enfrentarse al amigo de su amante. Un filme de inusual formato por el director de "Smoke, "La caja china" y "Mil años de oración". Publicamos la crítica de Antonio Trashorras sobre esta película aparecida en Fotogramas.

"Wayne Wang tiene claro que toda posibilidad de supervivencia debe pasar por crearse un nicho de interés merced a producciones minúsculas con la mayor especificidad posible. Gestar y presentar dos obras en teoría mellizas, pero opuestas en muchos aspectos, como la geriátrica de concepción y acabado Mil años de oración y este agradable vídeo-sketch impresionista titulado The Princess of Nebraska, podría responder a un apresurado tanteo de dos de esos caminos expresivo-industriales susceptibles de insuflar leucocitos a su carrera. Entremés urbanita, de tono semipop y estilo vuelaplumista, alrededor de la (supuesta) orfandad de referentes morales y metas vitales de la nueva juventud china, la cinta de Wang muestra, por enésima vez, lo bien que al director de Smoke (1995) se le da eso de hacer películas que no parecen ligadas a filmografía alguna. Sin llegar a convertirse en una auténtica reflexión sobre la deriva intergeneracional de un país que teme mirar tanto al pasado como al futuro, The Princess of Nebraska resulta el film más armónico en forma y fondo, desde hace años, de este cineasta, siempre competente, aunque a veces también algo sobrevalorado".

miércoles, 8 de octubre de 2008

San Fausto Jaiak


Social Antzokiak, San Fausto Jaiak direla eta, egitarau berezi bat antolatu du. Antzerkia Nancho Novorekin, Zarzuela “La corte del Faraón” eta bi zinema maratoik jaiegun hauetako udal antzokiaren eskaintza osatzen dute.
ANTZERKIA
Igandean, urriak 12 arratsaldeko 20.30tan, "Sobre flores y cerdos. Más Nancho que largo", ordu eta erdi baina iraupen gehiago duen antzezlana, Nancho Novok idatzia, zuzendua eta ekoiztua. Bere umore kutsu bereziarekin, berak “guarromantico”-tzat definitua, aktore eta abeslari galiziarrak atal musikalak ditu hari eroaletzat, amodioan eta bikotean azken honen ernetzearen azterketa eta sakonketan oinarrituriko ikuskizuna sortuaz. Dibertsioa bermatua dago 90 minutu irauten duen proposamen original eta desberdin honekin. Sarreren prezioa 12€-a da.
ZINEMA MARATOIAK
Asteazkenean, urriak 15, arratsaldeko 17.30etatik aurrera, azken urte hauetan ohikoa den bezala, txikienek zinemarekin hitzordua dute Social Antzokian. Lehendabizi euskeraz izango den animazio filma emango da, "Ahatetxo itsusia eta ni", Ahatetxo Itsusia ipuinaren bertsio pertsonal bat. Ondoren, “La isla de Nim” Jodie Foster protagonistatzat duen abentura filma ikusgai egongo da. Sarreren prezioa 3,50€koa da.
Ostegunean, urriak 16 arratsaldeko 20.00tatik aurrera, Social Antzokian gazteengan pentsaturiko zinema izango da ikusgai. "Zohan. Licencia para peinar" eta "Paso de ti" komediak, Estatu Batuetatik datozten bi proposamen freskagarri. Sarreren prezioa 3,50€.
ZARZUELA
Larunbatean, urriak 18, Uranzu Produkzioak konpainiak “La Corte del Faraón” zarzuela aurkeztuko du, musikal herrikoi, lotsagabe eta dibertigarria. Emanaldia arratsaldeko 20.00tan hasiko da eta sarrerak 20 eta 15€ artekoak dira.

martes, 7 de octubre de 2008

Nancho Novo

Nancho Novo viene a las fiestas de Basauri. El actor y cantante gallego ha asegurado que el domingo, 12 de octubre, se acercará hasta nuestro municipio para conocer mejor los Sanfautos. También ha confirmado que aprovechará para presentar en el Social Antzokia su nuevo espectáculo, "Sobre flores y cerdos". Pues eso, que el 12 de octubre, a las 20:30 h., Nancho Novo actuará en el Social Antzokia. El precio de la entrada, de risa, 12 €. A continuación publicamos una entrevista con Nancho Novo aparecida en el suplemento Metropoli del periódico El Mundo.

Pregunta.– Define este trabajo como "guarromántico". ¿Y eso qué es?
Respuesta.– Es un término acuñado por un servidor, aunque no creo que sea un estilo inventado por mí. No es más que un romanticismo exacerbado pero que huye de la languidez, la cursilería o la ñoñería. Robe Iniesta, de Extremoduro, me parece un gran guarromántico. Valle-Inclán, también. Incluso Larra o Quevedo lo son. Es un romanticismo espurio, incorrecto, cañero y faltón. Todo ello se resume en una frase: 'Lo cortés no quita lo caliente'.
P.– ¿Cómo consigue no caer en lo tópico y facilón?
R.– No hablo de la pareja y sus tópicos. Hablo del amor, que en la mayoría de los casos nada tiene que ver con la pareja. Cada cual tiene su estilo y el mío intenta huir de lo fácil, lo grueso, del humor a bote pronto. Que lo consiga o no está por ver. A tenor de lo vivido en la gira por España, parece que lo consigo. Aún así, no estoy seguro.
Cuestiones de pareja
P.– En 'Defendiendo al cavernícola' y 'Confesiones sexuales de un solateras' también hablaba de cuestiones de género. Parece un tema que le preocupa...
R.– ¿Y a quién no? Desde Medea hasta Bonny and Clyde, pasando por Romeo y Julieta o El alcalde de Zalamea, siempre han sido cuestiones de género. Aunque no va de eso. Hablo del amor y de cómo reaccionamos ante él en las diferentes fases. También hablo de sus antagonistas: el odio, la violencia, el despecho...
P.– Presenta esta pieza el día 17 de junio en el Alfil y el 26 estrena en el Español Los cuernos de Don Friolera. ¿Cómo va a compatibilizar los dos trabajos?
R.– Dejándome los cuernos, nunca mejor dicho, por la obra de Valle, digo. La verdad es que me han metido en este embolado, a pesar de mis resistencias. No me hace mucha gracia esta casualidad, pero Ángel Facio, director de Los cuernos…, no aceptó un no por respuesta cuando ya tenía comprometidas mis fechas del Alfil. El Teatro Español ha hecho grandes esfuerzos para posibilitar esta demencia. Y debo agradecérselo.
P.– ¿No le da miedo quedarse sin energía?
R.– No, ninguno. Tengo miedo a estrenar ambas cosas, pánico. Pero siempre me pasa. Por lo demás, estoy acostumbrado a hacer dos funciones diarias.
P.– Y, no contento con este doblete, escribe, tiene un grupo de música y sale en la tele. ¿Es un enfermo del trabajo?
R.– Soy un enfermo, sin más. El trabajo es mi terapia.
P.– Me imagino que es de los que piensa que ya descansará cuando muera.
R.– No te creas. Me encanta no hacer nada, perder el tiempo mirando a las musarañas sobre la arena de una playa con un mojito en los labios.

miércoles, 1 de octubre de 2008

Iván Zulueta

La Cinemateca del Museo de Bellas Artes de Bilbao ha programado, del 2 al 11 de octubre, una retrospectiva de la obra del donostiarra Iván Zulueta, uno de los cineastas más inclasificables de la historia del cine. Publicamos a continuación el artículo "La atracción del abismo" escrito por Alejandro Díaz en Miradas de cine a propósito de "Arrebato", una de las películas clave del cine contemporáneo.

"De un tiempo a esta parte he venido pensando que España podría ser, por sus condiciones sociales y su modo de vida, un país idóneo para la realización de películas siguiendo las pautas artísticas de un director tan definitivamente fundamental en el audiovisual de todos los tiempos como es David Lynch. El país de los toros y el cocido, hoy convertido en una sociedad plenamente análoga a las más pudientes del mundo occidental (al menos en apariencia), podría cobijar en su cinematografía films volcados hacia la discontinuidad de imágenes y temas, preocupados en revelar el virulento caos que ocultan las prístinas fachadas del nuevo orden. La constatación y puesta en escena de lo rematadamente extrañas y misteriosas que resultan muchas de las cosas que nos rodean en nuestra vida cotidiana (incluso en nuestra propia vivienda) sería una vía de salida para un cine, el español, preocupado desde hace mucho tiempo en fagocitar las coordenadas más vulgares del cine de consumo masivo multinacional, despreciando, o incluso boicoteando, a las mentes más lúcidas e inquietas de su seno (directores como Víctor Erice, José Luis Guerin, Joaquín Jordá, Marc Recha, Pablo Llorca o Jaime Rosales).
Curiosamente, algunos realizadores surgidos tras la caída del régimen franquista llegaron a explorar esas vías, al menos durante un período de sus carreras. Podría ser el caso de Bigas Luna, que con Bilbao (1978) y, sobre todo, la brutal Caniche (1979), puso su ojo sobre el lado más enfermizo de la naturaleza humana antes de perderse en el esteticismo romo y complaciente (cuando no chabacano: véase la espantosa Bámbola —1996— para corroborarlo) que caracteriza a gran parte de sus trabajos posteriores. Algo similar ocurre con José Antonio Salgot, realizador de la muy estimable Mater amatísima (1980), sobre un guión del propio Bigas Luna, en la que se aprecian similares intenciones, y posterior firmante de tan sólo otros dos largometrajes alejados de esta vía casi suicida, al menos para las aspiraciones de un cineasta en España. Y en este punto es donde aparece la figura inquietante y fascinante a un tiempo de Iván Zulueta, cineasta que se nos antoja esencial pese a lo exiguo de su filmografía, en la que destaca Arrebato, felizmente recuperada del olvido en el que se encontró en épocas no muy lejanas.

Pintor, cartelista, fotógrafo de polaroids, devorador y reconstructor de imágenes, Juan Ricardo Miguel (Iván) Zulueta Vergarajauregui permanece inactivo como realizador desde hace ya muchos años, pero eso no significa que haya perdido su interés por la imagen dinámica. En una entrevista realizada en 2002 y publicada en su página web (www.ivanzulueta.com), el artista confiesa, entre otras cosas, el interés que le producen las películas de David Lynch. Por ejemplo, cae rendido ante los alucinantes títulos de crédito (y la música de David Bowie) que encabezan y clausuran Carretera perdida (Lost Highway, 1996), y destaca la capacidad de Lynch para crear instantes de auténtica magia entre el espectador y la pantalla, si bien le censura el hecho de no dejar las historias resueltas, lo cual le crea una sensación frustrante. La filiación de Zulueta con la obra lynchiana (diferencias de origen cultural aparte) es bastante obvia (1). Ambos son realizadores que creen aún en el poder de la imagen manipulada para crear movimientos nuevos en el interior de los espectadores. Pero esta manipulación es en todo momento "artesanal", ha sido llevada a cabo por una mano humana, por lo que se distancia claramente de las cataratas digitales de cierto cine actual. No deja de ser curioso que Zulueta le achaque a Lynch el carácter abierto de sus películas, habida cuenta de que Arrebato, pieza central de su arte, culmina con un enigmático y nunca aclarado salto al vacío.

En una entrevista concedida a El Correo Digital también en 2002, Zulueta declara su pasión por el cine de género y asegura que le " encantaría poner en imágenes una historia resuelta. " Empero, el carácter fraccionario de su obra parece chocar frontalmente con esta afirmación. ¿O tal vez no? En Irma Vep (íd., 1996. Olivier Assayas), un director de cine se ve incapaz de llevar a cabo un remake de la película muda Les vampires (íd., 1915. Louis Feuillade), pero antes de abandonar el rodaje deja una copia finalizada del único modo posible para él. En dicha copia, la película comienza literalmente a nublarse y la pantalla se llena de visiones y sonidos aterradores sin ningún tipo de sentido (instante que recuerda mucho a la propia Arrebato). El actual estatus de la imagen no permite recuperar unas imágenes del pasado irrepetible y la película se descompone quedando el puro caos, la indeterminación más absoluta. Quizás a Zulueta le gustaría, como al ficticio René Vidal de la película de Assayas, realizar películas "resueltas" como las de antaño, pero se ve, en la actual situación, incapaz de lograr esto, debiendo conformarse con pequeños retazos narrativos discontínuos. Y esta idea, la de la imagen perdida, sitúa la obra de Zulueta más cerca de la de Erice que de la de Almodóvar, con quien tantas veces se le ha comparado inútilmente. No en vano, una de las películas más admiradas por Zulueta es Psicosis (Psycho, 1960. Alfred Hitchcock), sin duda uno de los films que más radicalmente optó por el quiebro de las estructuras narrativas precedentes dejando al espectador sin asideros y sumergiéndolo de pleno en el terror de lo inimaginable.

Al realizador de Un dos tres, al escondite inglés (1969) suele considerársele siempre, sin la menor matización, como un "artista pop". No cabe duda de que la influencia del underground norteamericano se nota en sus métodos de collage, pero cabría indagar un poco en la clase de "pop art" de la que estamos hablando. Las películas de Zulueta hacen uso de un elemento muy particular: la inclusión de todo tipo de alusiones de cierta cultura popular incrustadas en los diálogos o recitadas en off. La sensación que crean es de una decidida voluntad de mantener en pie unos mínimos andamiajes que nos salven del mundo movedizo en el que vivimos, cumpliendo una función similar a las citas que saturan algunas películas de Jean-Luc Godard, director que ha convertido lo "pop" en algo reflexivo y profundamente emocionante y cuyo film Al final de la escapada (À bout de souffle, 1959/60) es muy admirado por Zulueta. Preguntado por sus preferencias pictóricas, el vasco cita a Bacon y a Velázquez olvidando los delirios (conscientemente) superficiales de Andy Warhol. ¿De qué "pop" estamos hablando, entonces? Pues, sin duda, de un "pop" orientado a la búsqueda de la esencia creativa, del misterio que encierra lo que comúnmente denominamos "realidad", decididamente orientado a conmocionarnos enfrentándonos directamente con nuestros temores íntimos. Una búsqueda desesperada de alguna posibilidad de trascendencia zambulléndose en el abismo aunque signifique la propia destrucción, quizá buscando esa misma destrucción...

En una de sus colaboraciones en el programa musical de TVE "Último grito" (1969), Zulueta realizó un video—clip para la canción de Richard Evans "In the Year 2525" en el que jugaba con imágenes animadas a las que superponía la traducción española de la letra de dicha canción. El resultado era (y sigue siendo) inquietante, pues conducía al espectador a un salto al futuro en el que los aspectos humanos serían borrados de la faz de la Tierra, poniendo de manifiesto su pequeñez y su carácter contingente. Asimismo, en Leo es pardo (1976) (uno de sus cortos suyos en Super 8 que aún se conservan), Zulueta experimenta con texturas y sonidos logrando una pieza trufada de hallazgos asociables a los de un film como Un perro andaluz (Un chien andalou, 1929) de Dalí y Buñuel (2), si bien más cerrada sobre sí misma que el célebre film surrealista. También introduce el tema de la dualidad y el desdoblamiento de personalidad (Jekyll y Hyde), recurrente en su obra y que empujará hacia el límite en Párpados (1989), pieza televisiva en la que el juego de espejos y escisiones se multiplica hasta la atomización. La mezcla de formatos y la indeterminación narrativa (pérdida de referentes espacio—temporales) de Párpados hacen pensar en los alambiques posmodernos llevados a cabo por Abel Ferrara en films de la talla de Juego peligroso (Dangerous Game, 1993) o New Rose Hotel (íd., 1998). En el instante más significativo de esta magnífica pieza, Zulueta no duda en fundir el rostro de sus dos protagonistas, Eusebio Poncela y Marisa Paredes, de cuya mixtura surge una inquietante tercera identidad, en un instante que remite directamente a Persona (íd., 1966), de Ingmar Bergman, director al que Zulueta con razón considera un exponente singular de realizador capaz de entregar films despiadados y auténticamente desarmantes. Su último trabajo hasta la fecha es Ritesti (1992) —3— telefilm en el que contó con un guión ajeno y una fotografía menos característica, hecho que explica que las imágenes, algunas de ellas fascinantes, no terminen de cuajar como es acostumbrado en él. No obstante, no deja de ser una obra desconcertante y oscura sobre (la imposibilidad) del deseo amoroso.

Los de Lynch, Bergman, Godard o Ferrara son, pues, nombres junto a los cuales no es nada descabellado alinear la figura de Iván Zulueta... Ustedes disculparán que el artículo llegue a su conclusión sin apenas menciones a Arrebato, motivo a priori único de estas líneas, pero es que hay films que constituyen una experiencia individual tan fuerte que cualquier cosa que se diga de su contenido puede sobrar. Están ahí para ser vistos, o, mejor aún, para ser experimentados. Con todo, incluiré algún comentario final sobre una película cuya grandeza va, como ocurre con las grandes obras, más allá de sus valores técnicos, visuales o narrativos. La película es una espiral de atmósferas, de premoniciones, de texturas, de formas, de abismos. Hay en ella multitud de lugares, de mundos, de universos. El cine, el cine dentro del cine, las drogas usadas como rigurosa fuente de inspiración, la infancia, los sueños infantiles enterrados, el dolor, el miedo, la soledad, el amor, los amores... « Es un mundo extraño», se decía en un momento de Blue Velvet (íd., 1986. David Lynch). Arrebato comparte plenamente esa tesis. Otro aspecto a destacar, que puede dar una idea de los intereses y el "modus operandi" de su creador, es el hecho de que Arrebato esté construida no a partir de Leo es pardo, como equivocadamente se ha dicho en alguna revista "especializada", sino a partir de su final, el cual existía anteriormente de manera autónoma como cortometraje. Y no es de extrañar, ya que ese último peldaño es, en sí mismo, un misterio (dentro de otro misterio), un enigma que es, al mismo tiempo, inextricable y diáfano, terrorífico y reconfortante. Uno de los finales más ambiguos, excepcionales e inquietantes de la historia del cine, en una de las mejores películas sobre vampirismo (en el sentido amplio del término) que se hayan filmado nunca. Hay que reseñar asimismo el trabajo de los actores. Cada uno de los del trío principal tienen, al menos, una secuencia antológica: Eusebio Poncela vendándose los ojos ante el incierto futuro que le espera, Cecilia Roth metamorfoseada en Betty Boop, Will More gimoteando mientras se proyecta uno de sus cortos... sin olvidarnos de la presencia de Marta Fernández Muro, una de las mejores actrices del cine español, y de las fugaces apariciones de Luis Ciges o Antonio Gasset.
El presupuesto del film fue escaso, casi inexistente. Y, sin embargo, las cotas de abstracción son tan altas como (o tal vez mayores que) si se hubiese gozado de un nivel de producción más elevado. Tal vez una lección, desde la marginalidad, desde la cuneta, para ese cine español contemporáneo que hace tiempo que da tumbos sin llegar a ninguna parte".